РОМАНСКИЙ СТИЛЬ
Только ко 2-й половине Х века в Европе появляется первый стиль в искусстве — романский, который с полным правом можно назвать общеевропейским. Он окончательно сформировался к 1000 г. и просуществовал до 2-й половины ХII — начала ХIII века. Этот стиль основывался на использовании опыта и элементов римской каменной архитектуры, откуда и произошло его название появившееся в ХIX веке.
Характерными чертами романской архитектуры, кроме массивных стен, стали полуциркульные арки и цилиндрические или крестовые своды. Для поддержки такой массы камня нужны были очень толстые колонны, которые иногда заменяли мощными крестчатыми или восьмигранными столбами — пилонами. Романские капители имели простые геометрические формы, часто их украшали, вопреки конструктивной логике, резными рельефными изображениями.
Возник своеобразный синтез скульптуры и архитектуры. Скульптура являлась неотъемлемой частью оформления порталов соборов. Проповедью в камне часто называют скульптуру в романских соборах. Застывшие в камне образы священных персонажей обладали не меньшей силой воздействия, чем слово.
Памятников романской архитектуры сохранилось довольно много на всей территории Западной Европы. Огромные, строгие и величественные храмы в городах и монастырях располагались друг от друга на расстоянии колокольного звона. Часто им приходилось выступать в роли крепости для всего населения города или прихода.
У феодалов настоящей крепостью был их дом-замок, окруженный глубоким рвом с водой, обнесенный высокими стенами с башнями и подъемными мостами, ведущими к воротам. С домом феодала, донжоном, высокой многоэтажной башней, расположенной в центре второго кольца стен, который представлял собой действительно неприступную крепость, за стенами которой было сосредоточено все необходимое как для долгой осады, так и для обычной жизни.
Крепость — вот тот образ, который рождается при взгляде на памятники романской архитектуры, образ, который несет ощущение стабильности и незыблемости.
ГОТИКА
Во 2-й половине XII века во Франции появился новый архитектурный стиль — готика, распространившийся во всей Западной Европе и продержавшийся в некоторых странах вплоть до XVI века.
Термин «готический» появился в XVI веке в Италии в эпоху Возрождения как негативный, характеризующий эту архитектуру как «варварскую» (от племени готов), в противовес разумной и ясной античной классике.
Для готической архитектуры наиболее значительными постройками были огромные городские соборы — базилики в виде латинского креста с очень высоким центральным нефом, нешироко раскинутыми рукавами креста, венцом капелл, с кольцевым обходом вокруг хора. Характерными элементами готики являются: стрельчатая арка, нервюрный свод, пучки тонких колонн, предельно облегченная за счет распределения нагрузки на каркас здания стена, перенесение тяжести с помощью «летящих арок», аркбутанов, на внешние опоры — контрфорсы; огромные окна, застекленные цветными витражами. На западном фасаде и над средокрестием возводились башни.
Готический собор в Бургосе, Испания, XIII в.
Перспективные порталы венчались треугольными вимпергами. На всех трех фасадах среди скульптурного и резного декора помещались круглые витражные окна — розы.
Основное впечатление от готического собора — устремленность вверх, легкость, ажурность, обилие света (преображенного цветными витражами), резной каменной декорации и скульптуры.
Готика — это первый опыт каркасной архитектуры. Нервюры — ребра сводов, пучки колонн, аркбутаны и контрфорсы — основные составляющие несущего каркаса.
Готический собор представлял собой синтез всех видов искусств, стилистически объединяя архитектуру, скульптуру, живопись и различные изделия декоративно-прикладного искусства (раки, реликварии, ларцы, пюпитры и т.п.).
В готическом стиле появилась стрельчатая арка, образованная как бы из двух дуг, пересекающихся под углом. Нервюры и арки опираются в готическом соборе не на массивные столбы, а на пучки тонких колонок, окружающих невидимую глазу сердцевину.
Шедевром готики считается собор Нотр-Дам в Реймсе. Строительство этого собора началось
в 1211 г., спустя год после того, как в результате пожара рухнул старый собор, и продолжалось строительство до 1481 г.(реймсский собор строили несколько поколений зодчих).
Собор Нотр Дам в Реймсе Западный фасад
Его строителям удалось создать величественный памятник, объединенный общим замыслом и рождающий единый архитектурный образ, вдохновенную «симфонию в камне».
«Лицо» собора — вход в храм. Пять глубоких перспективных порталов, сильно вынесенных вперед, захватывают в водоворот пульсирующего движения наверх внешнее пространство перед собором. Вертикальная устремленность порталов подчеркивается стрельчатыми очертаниями многократно повторенных арок и острыми углами охватывающих их треугольников вимпергов.
В результате создается впечатление, что на фасаде нет вовсе стены. Она вся прорезана колонами, нишами, окнами, вимпергами, башенками-пинаклями, галереями, создающими необыкновенно богатую игру света и тени.
Фигуры людей, животных, растений, всевозможных органических форм, населяющие совершенно недоступные для человеческого глаза места, лишают каменные стены веса, наполняют собор особой жизнью, дыханием, звуками.
Внутреннее пространство Реймсского собора отличает та же ясность структуры и стройность пропорций как целого, так и отдельных деталей. Все внутри подчинено общему движению вперед к алтарю и устремленности вверх — к небу. Пучки тонких колонн «убегают» вверх, соединяясь со стрельчатыми арками и нервюрами сводов. Над арками боковых нефов тянется трифорий — фальшивая галерея, открывающаяся в центральное пространство короткими перебежками небольших аркад, дробящих своим ритмом мощные аккорды нижних аркад и готовящих восприятие огромных витражных стрельчатых окон и высоких нервюрных сводов перекрытия центрального нефа. Огромный хор с венцом капелл прекрасно воспринимается от самого входа, неодолимо маня и притягивая к себе взоры и души молящихся.
РЕНЕССАНС
Термин «возрождение» был введен в XVI веке автором замечательного труда, бесценного источника «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» (1550), художником Джорджо Вазари. Под этим термином он понимал возрождение интереса к античному наследию и возврат к античным формам в искусстве — ордерным формам в архитектуре, реалистической манере в живописи с освоением линейной и световой перспективы, круглой реалистической скульптуре и скульптурному рельефу, основанным на изучении пропорций человеческого тела и пластической анатомии. Античное наследие по-новому было понято, прежде всего, в Италии, где руины древнеримских памятников буквально валялись под ногами.
В основе культуры Возрождения лежит философия гуманизма, утверждающая красоту и достоинство человека, силу его разума и воли, его неисчерпаемые творческие возможности.
Флоренция стала главным центром искусства и культуры Возрождения. Здесь, были созданы замечательные произведения искусств. Они способствовали сложению нового художественного вкуса, в основе которого лежит сходство с природой и чувство соразмерности.
30-е годы XVI века — этап Высокого Возрождения. Наивысшие достижения гуманистического искусства были созданы именно в этот период. Это время, когда творили Рафаэль, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Тициан, Джорджоне, Браманте, Палладио и др.
Ренессанс или возрождение классических форм в искусстве и литературе стали результатом сознательного интеллектуального порыва, начавшегося в Италии еще в XIV веке. Но только в XV веке этот порыв перерос в настоящее массовое течение — стиль, влияние которого ощущалось повсеместно.
Готический стиль, получивший необычайное распространение в архитектуре практически всех стран Западной Европы, в Италии воспринимался как нечто чужеродное, как стиль, неприемлемый по духу. Классическая традиция, постоянно витавшая где-то в воздухе, оказалась настолько сильна, что готика в Италии так и не прижилась.
Можно с уверенностью назвать дату, с которой в Италии началась архитектура Возрождения, — это 1401 год. Именно в этом году во Флоренции проходил конкурс на лучший проект бронзовых рельефов для дверей Флорентийского Баптистерия. Конкурс выиграл молодой скульптор Лоренцо Гиберти, но для судьбы флорентийской и всей европейской архитектуры гораздо важнее оказалось, кто его проиграл. Это были два молодых человека, два друга: Филиппо Брунеллески и Донателло. Первый по образованию ювелир, второй — скульптор. Обоим суждено было впоследствии прославить свой город — Флоренцию и стать главными фигурами Раннего Возрождения в Италии.
Итак, проиграв этот конкурс, обидевшись на несправедливое, по их мнению, решение жюри, Брунеллески и Донателло отправились в Рим изучать античные развалины вечного города.
Никто не подозревал, что главной целью молодых флорентийцев было постижение истинных принципов архитектуры Древнего Рима. Им удалось разобраться в античных архитектурных ордерах, понять систему кладки римских арок и сводов, зарисовать множество античных деталей: карнизов, профилей, капителей, измерить и снять планы древнеримских построек, раскопать фундаменты древних строений и разобраться в том, как римляне распределяли тяжесть стен своих сооружений.
Это путешествие можно по праву считать началом Возрождения в архитектуре Италии.
Вернувшись во Флоренцию, Брунеллески принял участие в другом конкурсе — на лучший проект купола главного городского собора Санта Мария дель Фьоре. Когда в 1417 г. Брунеллески попросили подумать над проектом, его вариант оказался самым простым и оригинальным (он предложил строить купол без лесов). Несмотря на все трудности, Брунеллески сумел возвести величественный купол над главным собором Флоренции, который был освящен в 1436 г.
Главной конструктивной находкой Брунеллески современные ученые считают абсолютно правильно избранный изгиб ребер, обладающий наибольшей прочностью.
Другой находкой Брунеллески была наклонная и зигзагообразная кладка, которую он применил при строительстве купола, а также синхронность возведения всех восьми лопастей сооружения.
Купол собора Санта Мария дель Фьоре
За время строительства купола собора Санта Мария дель Фьоре Брунеллески руководил строительством еще ряда знаменательных построек Флоренции. Среди них Ризница церкви Сан Лоренцо — это первый интерьер, созданный в средневековой постройке. В нем использованы основные элементы рождавшейся архитектуры Возрождения: плоскость стены, обрамленная профилированными элементами, примат горизонталей, полуциркульные арки, круги медальонов и купола, ясно выявленный каркас здания, правильное центрическое замкнутое пространство, уравновешенная симметричная композиция.
Возрождая классическую античную традицию в архитектуре, Брунеллески усвоил все практические приемы и формы древних, и на их основе создал свой собственный художественный язык. Стиль архитектуры Брунеллески можно было бы назвать более «женственным», по сравнению с древнеримскими образцами. Его постройки легки и изящны, архитектурные детали и профили отличаются точностью, но не сухостью, пропорции и формы настолько совершенны, что здания ясно читаются и легко воспринимаются даже неподготовленным зрителем.
В большой степени именно постройки Брунеллески, а не сами древнеримские оригиналы, послужили образцами для подражания и развития стиля ренессансной архитектуры, а затем и последующих классицизирующих стилей: классицизма, барокко, рококо, ампира и всевозможных стилей неоклассического направления.
Стиль Возрождения получил теоретическое обоснование и толкование в специальных трактатах по архитектуре, автором которых был Леон Батиста Альберти. Его «Десять книг об архитектуре» стали практическим руководством для многих архитекторов и оказали огромное влияние на сложение архитектурных стилей Европы. В собственных архитектурных проектах Альберти интересно решены фасады здания, где впервые применены пилястры в поэтажном членении стен, облегчающиеся снизу вверх, как это было в Колизее, междуэтажные антаблементы, широкий общий карниз, пропорционально соответствующий размеру всего здания, обработка стен рустом, обрамления сдвоенных окон каменной кладкой — все эти приемы стали широко использоваться итальянскими зодчими в дальнейшем, при строительстве дворцов и других светских построек.
Венецианский архитектор Андреа Палладио сосредоточил свои усилия на строительстве церквей и загородных вилл, пытаясь простыми и ясными средствами достичь эффекта величественности построек. Ему принадлежит идея «колоссального ордера», охватывающего сразу 2 или 3 этажа, — так называемого Палладианского ордера.
Развитие архитектуры Возрождения привело практически одновременно к двум результатам, двум стилям, которые традиционно друг другу противопоставляются: барокко и классицизм.
БАРОККО
Обычно, говоря об искусстве XVII века, отмечают два основных стиля — барокко и классицизм, а также третье, внестилевое реалистическое направление. Все эти стилевые направления существовали одновременно, а иногда соединялись в одном памятнике, что не всегда позволяет говорить о чистоте стиля в том или ином произведении.
Родиной барокко считается Рим, а наиболее яркие образцы архитектуры этого стиля были созданы в Италии, Испании, Португалии, Южной Германии, Чехии, Польше, Литве, испанских и португальских колониях в Латинской Америке. Во всех этих странах католическая церковь имела очень большое влияние и, таким образом, барокко стал стилем, который она взяла на вооружение.
Началом нового стиля обычно считают строительство небольшой церкви ордена иезуитов — Иль Джезу в Риме, начатое в 1568 г. по проекту Джакомо Виньолы.
Процесс рождения нового стиля можно наблюдать на выходящем на небольшую площадь главном фасаде, выполненном в 1575 г. по проекту Джакомо делла Порта: колонны и пилястры сдвигаются друг к другу, группируются попарно, разрывается антаблемент, поверхность фасада перегружается сильными ритмическими элементами.
Самыми выдающимися мастерами барокко в Италии были Лоренцо Бернини, создавший грандиозный ансамбль Площади Святого Петра в Риме и другие постройки, включая многочисленные скульптуры и фонтаны, и Франческо Борромини, по проектам которого были построены церкви Сан Карло алле Кватро Фонтане, Сант Иво в Риме и др.
В архитектуре барокко нарушаются равновесие масс и пространства, гармония несомых и несущих частей, спокойный мерный ритм, характерные для архитектуры Возрождения. Массы здания оживают, приходят в движение, архитектурные формы начинают теснить друг друга, разрывают границы четких геометрических очертаний, твердый материал превращается в податливую массу, декоративные детали создают причудливую игру света и тени. Планы барочных зданий получают сложные очертания сопряженных овалов и других неправильных форм. Как внешнее, так и внутреннее пространство включается в эту неистовую борьбу. Фасады барочных зданий, причудливо изгибаясь, вовлекают в свое бурное движение прилегающие улицы и площади. Архитектура барокко — это архитектура масштабных городских и загородных ансамблей, давших мощный импульс для дальнейшего развития градостроительства.
Во Франции, создан один из самых замечательных барочных дворцовых ансамблей — Версаль (1668-1689), ставший образцом для роскошных загородных резиденций европейских монархов, включая и русских.
Версальский дворец
Здание Дворца, построенного по проекту архитекторов Луи Лево и Ардуэна Мансара, сочетает классическую ясность и строгость объемов с барочной организацией внутреннего пространства главной Зеркальной галереи, рамки которого иллюзорно расширяются за счет зеркал и росписей. Обилие позолоты, скульптуры и живописи в интерьерах в дальнейшем станет излюбленным приемом архитектуры барокко. В плафонной живописи изображение небесного свода с ангелочками и облаками в перспективе передано настолько точно, что трудно определить, где проходит граница реального пространства, а где начинается иллюзия реальности.
Для барокко характерно создание огромных ансамблей, в которых архитектура, живопись, скульптура, театр, музыка, декоративно-прикладное и садово-парковое искусство сливаются в единое целое, отмеченное печатью торжественности, пышности, парадности.
В XVIII веке барокко приживается и в России. Новые манеры царского двора и нового русского дворянства, которые со времен Петра I настойчиво вводили в обиход на Руси, требовали и европейского типа дворцов, где можно было устраивать роскошные балы, торжественные приемы, давать богатые обеды. Сам Петр I больше тяготел к протестантской сдержанности архитектуры Голландии, но его дочь, Елизавета Петровна, склонялась к формам пышного итальянского барокко. В годы ее правления (1741-1761) были созданы лучшие образцы русского барокко, отличавшегося от итальянского мирской жизнерадостностью и отсутствием религиозного мистицизма, а от немецкого или австрийского — подчеркнутой масштабностью и монументальным размахом архитектурных ансамблей.
Самым выдающимся архитектором русского барокко был Франческо Бартоломео Растрелли. Его предки родом из Флоренции, отец — скульптор и архитектор Бартоломео Карло, приехал в Петербург еще при Петре. Только Франческо Бартоломео Растрелли смог построить для Елизаветы такой дворец в Царском Селе, который соответствовал бы ее запросам и вкусу. Сам фасад дворца настолько сильно ритмически расчленен мощными «ударами» белых колонн, выделяющихся на голубом фоне, что ни о какой монотонности не может быть и речи. Только присмотревшись, можно увидеть за хором колонн и пилястров традиционное трехризалитное построение здания дворца.
Внутренние помещения расположены на трех этажах, что также соответствует принятой схеме: в нижнем, невысоком этаже находятся служебные помещения, на втором — высоком — анфилады парадных залов и покоев, а на третьем — жилые комнаты царской семьи.
Главный зал дворца — Большая галерея (17 м шириной, 47 м длиной, 7 м высотой, общей площадью 800 кв. м) без единой внутренней опоры. Помимо настоящих окон, здесь еще есть фальшивые — зеркала, искусственно расширяющие огромное внутреннее пространство. Узоры наборного паркета, деревянная позолоченная резьба, роспись плафона — все в этом зале поражает изысканностью, выдающей руку гениального мастера. Все комнаты во дворце разные, есть и китайская, и малиновая, и знаменитая, и янтарная комната — чудо света, подаренное Петру I в 1716 г. прусским королем.
Из других построек Растрелли нельзя не упомянуть знаменитый Зимний дворец с великолепной парадной лестницей, где архитектор использовал те же эффекты фальшивых окон — зеркал для зрительного расширения пространства, и Смольный собор в Петербурге. Стиль Растрелли невозможно не узнать. Даже в небольших постройках, таких, как собор Смольного монастыря, он сумел создать яркое, жизнерадостное, приподнятое настроение, живую игру света и цвета, торжественный ритм форм, изысканный силуэт пятиглавого завершения.
Фасад Зимнего дворца
В разных странах барокко проявлялось по-разному, но свойственные ему характерные черты и формальные признаки можно обнаружить повсеместно. Это сложные криволинейные планы, загущенные колонны, заменившие плоские пилястры Возрождения, разорванный антаблемент, ритмическое разнообразие и насыщенность, мощная пластика стен, бурное движение, борьба масс и пространства, вовлечение в него и внешнего пространства, создание синтеза искусств, объединенных общим замыслом и стилем, создание величественных архитектурных ансамблей в городах и дворцово-парковых — в загородных резиденциях, обилие золота, деревянной и каменной резьбы, пышных декоративных деталей и скульптур, богатая игра цвета и света. Это стиль, основанный на применении классических архитектурных ордерных форм, приведенных в состояние динамического напряжения, иногда доходящего до конвульсий.
КЛАССИЦИЗМ
В XVII веке во Франции зарождается новый стиль — классицизм. Так же как и современное ему барокко, он стал естественным результатом развития архитектуры Возрождения и ее трансформации в разных культурно-исторических и географических условиях. Барокко было теснейшим образом связано с католической церковью. Классицизм, или сдержанные формы барокко, оказались более приемлемыми в протестантских странах, таких, как Англия, Нидерланды, Северная Германия, а также, как ни странно, католическая абсолютистская Франция.
Для Людовика XIV — «короля-солнца», считавшего, что «государство — это я», безусловно, классицизм казался единственным стилем, способным выразить идеи мудрости и могущества государя, разумности государственного устройства, спокойствия и стабильности в обществе. Внутренняя борьба, взволнованность, столкновения, столь явные в искусстве барокко, никак не соответствовали идеалам ясности и логики французского абсолютизма.
Людовиком ХIV был сделан этот выбор между двумя стилями во время конкурса на проект Восточного фасада Лувра. Он отверг проект самого выдающегося архитектора барокко Лоренцо Бернини, несмотря на все его заслуги и мировую известность (чем очень оскорбил великого мастера), отдав предпочтение простому и сдержанному проекту Клода Перро, выдержанному в строгом классическом духе.
Восточный фасад Лувра (1667-1678), который часто называют Колоннадой Лувра, составляет часть ансамбля двух объединенных в XVII веке дворцов — Тюильри и Лувра (общая протяженность фасада 173 м). Его композиционное построение довольно характерно — на нем выделяются центральный и два боковых ризалита, между которыми на высоком гладком цоколе стоят мощные сдвоенные коринфские колонны, поддерживающие высокий антаблемент.
Восточный фасад Лувра
Боковые ризалиты не имеют колонн, а расчленены пилястрами, создающими логический переход к боковым фасадам. Таким образом удается добиться колоссальной выразительности ордера, ритмически удерживающего единство весьма протяженного и монотонного фасада.
Самым грандиозным сооружением эпохи Людовика ХIV стал Версаль (1668-1689). В этом комплексе, ставшем эталоном для дворцово-парковых ансамблей Европы, соединились стилистические черты как классицизма, так и барокко.
Внешний облик дворца выдержан в строгом классическом стиле, однако интерьеры его отличает барочная пышность и роскошь декоративного оформления.
Малый Трианон — загородный дворец, построенный в Версале (1762-1764) по заказу Людовика ХV поражает своими гармоничными пропорциями. Это образец безошибочно рассчитанной гармонии: в основе всех главных членений лежит соотношение 1:2 (длина здания вдвое больше высоты, высота двери вдвое больше ее ширины, высота второго этажа вдвое меньше первого и т.д.).
Малый Трианон
Французская архитектура дала миру наиболее «классический» вариант классицизма. С большим энтузиазмом он был подхвачен в других европейских странах, России, а затем и США.
Важным и показательным для развития классицизма в Англии было распространение палладианства — учения и наследия итальянского архитектора Андреа Палладио.
Среди английской знати возникла настоящая мода на палладианские особняки, которая совпадала с философией раннего Просвещения в Англии, проповедовавшей идеалы разумности и упорядоченности, наиболее полно выраженные в античном искусстве.
Палладианская английская вилла представляла собой компактный объем, чаще всего трехэтажный. Первый — обработан рустом, главным — парадным, был второй этаж, он объединялся на фасаде большим ордером с третьим — жилым этажом. Простота и ясность палладианских построек, легкость воспроизведения их форм сделали подобные весьма распространенными как в загородной частной архитектуре, так и в архитектуре городских общественных и жилых построек.
Английские палладианцы внесли большой вклад в развитие паркового искусства. На смену модным, геометрически правильным «регулярным» садам пришли «ландшафтные» парки, названные впоследствии «английскими». Живописные рощи с листвой разного оттенка чередуются с лужайками, естественными водоемами, островами. Дорожки парков не дают открытой перспективы, а за каждым изгибом готовят неожиданный вид. В тени деревьев прячутся статуи, беседки, руины. Главным их создателем в 30-х годах был Уильям Кент.
Ландшафтные или пейзажные парки воспринимались как красота разумно подправленной естественной природы, но исправления не должны были быть заметными.
В России классицизм прошел несколько этапов в своем развитии и достиг небывалого размаха в правление Екатерины II, которая считала себя «просвещенной монархиней», состояла в переписке с Вольтером и поддерживала идеи французского Просвещения.
Классической архитектуре Петербурга были близки идеи значительности, величия, мощного пафоса.
Они нашли свое выражение в творчестве таких мастеров начала XIX века, как Захаров, Воронихин и Тома де Томон. Самой знаменитой постройкой Андрея Воронихина является Казанский собор, построенный по заказу Павла I.
Казанский собор, Петербург
Трудно представить, как выглядел бы собор, если бы архитектору удалось претворить в жизнь свой проект, но и сейчас собор представляет собой весьма внушительное зрелище: внутри он имеет 56 гранитных колонн с бронзовыми капителями, и 144 — из пудожского камня — снаружи. Все они выполнены в коринфском ордере, внутри гладкие, снаружи — с каннелюрами.
Воронихин смог придать этому храму поистине огромный пространственный размах, торжественность и достоинство, сделав площадь Казанского собора одним из важных общественных центров города.
Другим организующим градостроительным центром Петербурга стало Адмиралтейство архитектора Адриана Захарова, к которому устремляются три главных петербургских проспекта — Невский, Гороховая и Вознесенский, три «першпективы», как говорили раньше. Действительно, гениальное творение Захарова как магнит притягивает к себе и фокусирует все движения. Его шпиль в плоском по рельефу Петербурге становится одним из важнейших вертикальных ориентиров города. Несмотря на колоссальную длину фасада Адмиралтейства, Захаров блестяще справился с задачей его ритмической организации, избежав монотонности и повторов.
АМПИР
Началом новой эпохи стала Великая Французская революция. Романтические настроения, рожденные революцией, были связаны прежде всего с переосмыслением античной древности и идеализацией гражданских доблестей Римской республики.
В архитектуре это проявилось в создании грандиозных городских ансамблей в стиле ампир, в развитии массового жилищного строительства, в сооружении необычных построек различного назначения несущих на себе отпечатки изучения древних культур на уровне археологически точного воспроизведения деталей.
Иногда исторические события предопределяют дальнейшее развитие искусства.
Великая Французская революция, начавшаяся с идеалов «Свободы, Равенства, Братства», сменилась Директорией и новой империей Наполеона Бонапарта. Архитектура как искусство, самым тесным образом связанное с властью и общественными процессами, немедленно отреагировала на смену приоритетов. Республиканский Рим как образец для подражания с его гражданскими идеалами сменился парадно-торжественным настроением, почерпнутым из императорского Рима, с бесконечными триумфальными шествиями, отмечаниями побед, прославлениями Императора. Так, не меняя стиля в целом, классицизм XVIII века сменился ампиром начала XIX. Термин «ампир» происходит от французского «empire». В сущности, это был тот же классицизм в его поздней фазе с несколько иным подходом к классическому наследию и другими элементами и формами (в основном декоративными), которые использовались архитекторами. На стенах ампирных построек строгие декоративные мотивы, взятые из республиканского Рима — ленты, гирлянды, сменяются лавровыми венками победителей, символами воинской славы — мечами, копьями, щитами, шлемами. Главной целью официальной архитектуры становится прославление военных побед императора. В 1803-1836 гг. в Париже архитектором Шальгреном возводится Триумфальная арка — не просто навеянная римскими прототипами, а практически в точности их воспроизводящая. На ней помещается знаменитый скульптурный рельеф — Рюда «Марсельеза». Арка стала важным градообразующим элементом, не утратившим свое значение и сейчас.
Триуфальная арка, Париж
В России ампир нес те же архитектурные идеи, что и во Франции, но главной его целью было прославление победы России над Наполеоном.
На рубеже создания нового стиля — позднего классицизма, или ампира, стоит творчество еще одного архитектора — Тома де Томона. Построенное им здание Биржи на стрелке Васильевского острова знаменательно не столько само по себе, сколько как образец блестящего решения сложнейшей градостроительной задачи — архитектурного оформления стрелки Васильевского острова.
Григорьев и Жилярди построили в Москве большое количество частных усадеб — довольно однотипных желтых особняков с белыми колонными портиками, как правило, с четным числом колонн. Они не несут никакой реальной тяжести, кроме треугольника декоративного фронтона или небольшого балкона обращенных на улицу. В особняках использовались характерные для жилых построек ампира декоративные элементы, которые стали типовыми, и лепнину в стиле ампир сможет заказать себе любой хозяин, даже не обращаясь к знаменитым зодчим.
Самым выдающимся петербургским архитектором ампира был Карл Иванович Росси. Достаточно вспомнить Арку Генерального штаба и ансамбль Дворцовой площади, Площадь искусств и Михайловский дворец (ныне Русский музей), здания Сената и Синода или знаменитую улицу Зодчего Росси.
Арка генеральногоштаба, Петербург
В 1834 г. Росси построил еще одну необычную арку, соединившую два здания Сената и Синода на Сенатской площади. Правда, в этой постройке позднего ампира уже чувствуется некоторая казенность, сухость, повторение в который раз привычного мотива.
Ампир был живым созидающим стилем ровно столько, сколько живы были в обществе идеи, питавшие его.
МОДЕРН
XIX век — век технической революции и индустриализации строительства, век железа и стекла, век создания фантастических сооружений, демонстрирующих небывалые возможности новых материалов и техники (Эйфелева башня в Париже или Хрустальный Дворец в Лондоне), век первых международных промышленных выставок.
У стиля есть символ - это изощренная форма цветка цикломена. Для модерна "нового" стиля, родившегося на рубеже 19 и 20 веков, как движения за создание стиля своей эпохи, используется отказ от старых стилевых форм, поиск новых материалов: железа, стекла, железобетона. Свободная планировка, разные уровни пола, большие оконные проемы. Дизайнер использует при работе над интерьером импровизацию на выбранную тему. На стенах мы видим причудливые капризно извивающиеся линии с явной тенденцией к ассимметрии. Стены помещения красочные, часто декорируются плоскорельефной гипсовой пластикой. Мебель украшается стилизованным растительным орнаментом, в ней преобладают вялые, тянутые, волнистые очертания. Архитекторы в одном произведении соединяли в волшебном единстве архитектуру, пластику, живопись, декоративно - прикладное искусство. Вводится функциональное зонирование. Декоративное оформление интерьеров достигает невероятной изощренности. Форма окон, дверей, лестниц разнообразна до бесконечности. Выделяется и огромной выразительности достигает текучесть ритмов, цвета и фактуры. Часто используется керамическая облицовка, кованое железо, оконные и дверные флористические витражи.
Памятники стиля модерн достаточно легко узнаваемы. Это прежде всего, живая, динамичная масса, свободное, подвижное пространство и удивительный причудливый орнамент, основной темой которого становится линия, напоминающая то плетущуюся лиану, то набегающую волну. Линия, как говорили мастера того времени, «становится духовно несущей», выполняя роль основного выразительного элемента, объединяющего общим мотивом и ритмом все составные элементы целого. Но архитекторы модерна никогда точно не цитируют природу, созданные ими формы совершенно абстрактны, придуманы, однако наделены такой мощной динамикой, что кажутся живыми. В этом смысле наиболее яркими примерами могут служить постройки Антонио Гауди в Барселоне, такие как Каза Мила, Каза Баттло или ворота, павильоны и другие сооружения в Парке Гюэль.
Хай-Тек
Стекло, металл и пластик. Строгость и простота конструкций. Хай-тек ориентирован на стилизацию и освоение металлических конструкций и стекла. Важно выделить красоту держателей, подсветки, креплений и так далее. Все практично, функционально. Излюбленные цвета: металик, серебро, белый, черный; материалы: металл, стекло, трубы... Прямизна линий. Никакого дерева, сложной отделки и ветееватых орнаментов. Излюбленные цвета:, белый, черный, металик, серебро; материалы: металл, стекло, трубы...
Минимализм – стиль предельных лаконичных форм, полное отсутствие декора, орнаментов или деталировки фасадной отделки. Облик жилища определяют большие светлые объемы, не загроможденные мебелью (ничего лишнего). В мебели минимализму свойственны самые современные материалы: сталь, матовое стекло, натуральное дерево, алюминиевые профили.
Стиль «техно» – перфорирование круглых или квадратных отверстий, прорезей. Впервые геометрические украшения, узкие прорезы, выделение несущих конструкций и коммуникаций продемонстрировали дизайнеры Запада. Сейчас этот стиль все больше охватывает Россию.
Японский стиль по свидетельству дизайнеров, самый востребованный сейчас этностиль. Это минималистско-декоративный стиль, в котором ничто не перегружает внимание, пространство структурировано спокойно и внятно. В территориально небольшой, перенаселенной стране особо ценится пространство, поэтому и внутреннее устройство помещений сводит к минимум мебель и прочие привычные атрибуты дома, с тем, чтобы компенсировать его дефицит. Японский стиль ассоциируется с природными цветами, преимущественно в светлой гамме: оттенки бежевого, белый, кремовый, молочный. Сдержанные светлые тона характерны и для японской мебели, поверхность мебели и стен гладкая, нефактурная. Ткани тоже кремовые и белые, преимущественно натуральные: хлопок и шелк. В стране Восходящего солнца место для отдыха располагается в центре комнаты. Типичная деталь – японская раздвижная стенка и, конечно, бамбуковая мебель. Иероглифы – почти неизбежный атрибут оформления жилья «под Японию». В такой интерьер прекрасно вписывается скромная невысокая мебель, диванчики и столы разной высоты.
Индийский стиль – это бирюзовые, малиновые, оранжевые цвета, причем совершенно неповторимые в своем роде. Индийский шелк на ощупь не такой гладкий и скользкий, как китайский, немного шероховат. Мебель в индийских домах низкая, выпиленная вручную из очень прочного дерева тик. Характерная особенность – легкая трансформация деталей дома: стульчики и столы, ширмы, ставни и двери часто меняются «ролями».
Африканский стиль – это, пожалуй, самый экзотичный из этностилей. Цвета Африки – очень теплые и приятные, имитирующие окрас диких животных. Эффект дизайну придают шкуры тигров и зебр.
Скандинавский – шведский стиль – натуральность, простота и естественность. Дощатые полы из светлого дерева, светлые стены, простая деревянная ме
Источник: http://decor-tr.ru |
